볼거리가 넘쳐나는 오늘날은 ‘이미지의 홍수시대’라 해도 과언이 아니다. 비평가들은 ‘스펙타클의 폭력’으로 인한 우리시대 이미지의 과도함이 종종 현기증을 불러일으킨다는 우려도 한다.

역설적이게도 필자는 종종 서정적인 자연의 이미지에서 압도되는 느낌을 받는다. 오월 모내기를 막 마친 후 연두 빛 어린 모가 가지런한 무논이 그 어떤 그림보다도 아름답게 느껴진다. 지금은 농부의 손길 대신 이앙기로 줄맞춤을 하지만 비례와 균형 등의 미적 형식까지 갖춘, 여린 모의 행렬이 빚어낸 초여름의 초록빛 들녘은 경탄스럽기 그지없다. 또 노랗게 익어가는 가을 들판의 황홀한 인상, 가을걷이를 끝낸 후의 ‘텅 빈 충만’은 한국인이라면 누구라도 느끼는 친근한 미감일 것 같다.

끌로드 모네(Claud Monet:1842∼1926)의 작품 ‘햇빛을 받는 낟가리’(1891년)는 이러한 우리의 심상에도 정감을 주는 작품이다.

인상주의 화가였던 모네는 물체의 색이 빛에 따라 시시각각으로 변화하기 때문에 모든 대상에는 고유한 색이 없다고 주장했다. 이를 입증하기 위해 그 유명한 지베르니의 들판에서 3년에 걸쳐 ‘낟가리’ 연작을 26점 그렸다. 봄, 여름부터 겨울까지 아침 낮 석양 비 눈 추위와 함께 ‘낟가리’ 연작들을 그리며 흐르는 시간과 더불어 순간순간 변해가는 빛의 효과들을 완벽하게 추적한다.

‘무엇’보다 ‘어떻게’ 그리는가에 사로잡혔던 인상주의 화가들의 작품은 오늘날 편안한 예술로 보여지지만 그 당시엔 가장 급진적인 화풍이었다. 한 시대의 혁명적 정신을 드러내고 있는 작품이 ‘낟가리’라니 아이러니하지 않은가.

목가적인 느낌을 주는 낟가리는 전원풍광의 원형으로서만 우리에게 다가오는 것은 아닌것 같다. 모네가 ‘낟가리’에서 덧없는 순간의 아름다움을 ‘수확’했다면 우리들은 이 가을 무엇을 추수할 수 있을까.

〈광주비엔날레전시부장·미술사박사〉